top of page

המלצות לאתרי אינרנט

המלצות

  • שייקספיר ושות' תרגומיו של דורי פרנס למחזות של וויליאם שייקספיר ולעוד מספר מחזאים אליזבטניים.

  • אתר מפמ"ר תיאטרון- משרד החינוך. תוכנית הלימודים, חומרי עזר למורים ולתלמידים, כתב עת בנושאים שונים בחינוך ובתיאטרון ועוד.

 

  • בימה ודעת- גליונות אלקטרוניים של כתב העת לתיאטרון של מפמ"ר תיאטרון.

 

​​

  • ארכיון תאטרון באר שבע.

 

 

 

 

  • שימורי תיאטרון- אתר תערוכת עיצוב במה של צוותא תל אביב. אפשר לראות באתר טעימות מעבודות של טובי מעצבי הבמה בישראל- הצגות מהעבר, הפקות שהוקפאו בעקבות הקורונה ואפילו הפקות בתהליך, שטרם הוצגו לקהל.​​

  • אתר התערוכה הדיגיטלי של בוגרי מסלול עיצוב תפאורה ותלבושות לתיאטרון ולקולנוע- סמינר הקיבוצים. עבודות מעניינות, חכמות מעוררות השראה ומציתות דמיון.

pexels-anna-shvets-5218001.jpg

תיאטרון בזמן השואה

"בוא מוות ושכון בלבנו. למדנו לכבד את הכאב ומכאובי אחינו. אל נא נישא את שמו של המוות לשווא".
(מתוך האופרה 'קיסר אטלנטיס') 
סצנה מתוך ההצגה 'היהודי הנצחי' מאת דוד פ
הזמנה לנשף, טרזינשטט, 15 ליולי 1944, יוס
תיאטרון בזמן השואה

בתוך כל הזוועות והאבדון, בגטאות ובמחנות הריכוז, יצרו האסירים היהודים אמנות ותרבות, חברה ששמרה על ערכי האדם ועל צלם אנוש, כנגד מאמצי הגרמנים למחוק את אנושיותם.

התיאטרון שפעל בגטו וילנה בשנים 1943-1942, הוא דוגמה מוכרת יחסית (בזכות מחזהו של יהושע סובול 'גטו'). ההופעה הראשונה בגטו הייתה קונצרט שנערך ב-18 בינואר 1942, כארבעה חודשים לאחר גירוש יהודי וילנה לגטו, ורק כחודשיים לאחר שתם גל ההשמדה הגדול בו נרצחו למעלה מחמישים אלף מתוך כשבעים אלף יהודי וילנה.

פעולת התיאטרון נחלקה לשני סוגים: במה קלה ובמה רצינית. במסגרת הבמה הקלה הועלו במרוצת שתי שנות קיום התיאטרון ארבע הצגות רוויו-וארייטה. הצגות הרוויו התבססו על חומר מקורי שנכתב בגטו, בעיקר ע״י כתריאל ברוידא ולייב רוזנטל, ששיריהם ופזמוניהם זכו לפופולריות גדולה בגטו.

הצגות הרוויו כללו את התוכניות 'קארענע יאהרן און וויי צו די טעג', 'מען קאן גארנישט וויסן', 'פעשע פון רעשע' ו'משה האלט זיך' שהצגתו החלה בעיצומם של ימי ההגליה למחנות באסטוניה, ונמשכה עד לחיסול הגטו ב-20 בספטמבר, כאשר שירי הרוויו מלווים את אחרוני יהודי וילנה היוצאים למחנות.

בנוסף לכך הוצגו חמשת המחזות הבאים: שדות ירוקים - 'גרינע פעלדער' מאת פרץ הירשביין, 'דער מענטש אונטער׳ן בריק' מאת המחזאי ההונגרי אוטו הינדיג, 'דער אוצר', ו'היהודי הנצחי' (שהוצג בעברית) ‐ מאת דוד פינסקי, 'דער מבול' - מאת המחזאי השבדי הנינג ברגר. החזרות על ״טוביה החולב״ היו בעיצומן, כאשר הגטו חוסל.

גם בגטו טרזינשטט (טרזין בצ'כית) פרחו חיי התרבות והאמנות. נוצרו הופעות וקונצרטים גם כאלו שכבר עלו ונקטעו בעקבות הקמת הגטאות, וגם הופעות חדשות שביטאו את צורך האמנים להמשיך וליצור, למרות כל הסיכויים. לא רק הופעות, מערכת של אלפי הרצאות מדעיות שונות החלה לפעול ונוצרו קבוצות לימוד ומחקר.

הגטו ששימש למעשה כמחנה ריכוז ומעבר למחנות ההשמדה, פעל גם בתור "חלון ראווה" לצורכי התעמולה הנאצית. פיתוח חיי התרבות הגיע לשיאו בשנת 1944 במסגרת המאמץ הגרמני ל"ייפוי" המחנה לקראת ביקור הצלב-האדום הבינלאומי בטרזיינשטאט ב-23 ביוני 1944. אולם ששימש למגורי זקנים וחולים, שופץ ונפתח כאולם להצגות ולקונצרטים. הוקם בית קפה שבו הותר אפילו לנגן את מוזיקת הג'ז, האסורה, כדי שהמבקרים מחוץ-לארץ יוכלו להתרשם מרמת התרבות ו"החופש" ב"אזור ההתיישבות היהודי".

הצגות התיאטרון שהוצגו בגטו טרזינשטט היו מגוונות. 'שידוכין' מאת ניקולאי גוגול, 'הקול האנושי' מאת ז'אן קוקטו ועוד. נכתבו גם יצירות מוסיקליות ששיאן הייתה האופרה 'קיסר אטלנטיס' מאת ויקטור אולמן לליברית של פטר קין, יצירה אלגורית, שקראה תגר על השלטון הנאצי. נערכו קונצרטים סימפוניים וקאמריים והועלו אופרות בהשתתפות תזמורות ומקהלות, אופרת הילדים 'ברונדיבאר' מאת האנס קראסה, וההפקה המורכבת מכולם היה ביצוע 'הרקוויאם' של ורדי בניצוחו של רפאל שכטר.

 

בעזרת התיאטרון ניסו אנשי הגטו לגבש את חוויותיהם והשקפותיהם. בקברטים שולבו עקיצות מחיי הגטו. באחת ההצגות, משתוקק הגיבור להכיר טבחית רק בגלל מעמדה רם והחסינות האפשרית מפני שילוח למזרח, בהצגה קומית אחרת התבטאו הסדר והיעילות שבה אדם מתפנה מכל רכושו ב"עזרתם האדיבה" של הגרמנים ובהצגה נוספת עלתה ביקורת עצמית לגבי שוחד והמרת כרטיסי כניסה או רחצה בכרטיסי אוכל. הביקורת העצמית אפשרה להעלות למודעות את המתח בין הנורמות המוסריות של לפני המלחמה לבין אלו ששוררות בגטו ובכך היוותה תזכורת ליסודות המוסריים הנורמטיביים הראויים.
 

מקורות מידע וקישורים לאתרים שונים:

קטעי ארכיון נדירים של קברטים שהוצגו בשנים 1942-1944 במחנה הריכוז והמעבר וֶסְטֶרְבּוֹרְק בהולנד

האתר "ניצחון הרוח: אוסף תיאטרון השואה"

מאמרו של יהושע סובול "התאטרון בגטו וילנה והמחזה גטו"

מאמרה של ד"ר מרגלית שלאין "האופרה קיסר אטלנטיס ויקטור אולמן ופטר קין"

מאמרה של אפרת קדם "אופיום למעטים או מרד דרמטי?" (על חיי התרבות והתיאטרון בגטו טרזינשטט)

אנה פרנק
"אני לא חושבת על הסבל, אלא על היופי שעוד קיים."

אנה פרנק - עיבודים

יומנה של אנה פרנק הוא כנראה הסיפור האישי המזוהה יותר מכל עם השואה שנגע במיליוני לבבות ואנשים ברחבי העולם.

היומן האישי שכתבה הנערה בזמן ששהתה עם משפחתה במחבוא בבית באמסטרדם, זכה לעיבודים רבים.

את הגרסה שתעלה אצלנו, העלה לראשונה מאיר לוין, סופר ועיתונאי יהודי אמריקאי. במהלך מלחמת העולם השנייה היה לוין כתב צבאי עבור סוכנויות ידיעות אמריקאיות ויהודיות וסיקר את חודשי המלחמה האחרונים ואת גורל הניצולים של מחנות הריכוז וההשמדה. תקופה זו הייתה בעל חשיבות אישית ללוין שהתמודד עם זהותו היהודית והאמריקאית, בעוד שהמפגש עם הניצולים הביא את לוין להכרה כי עליו להיות קולם של הקורבנות היהודים של גרמניה הנאצית.

הוא כתב בספרו האוטוביוגרפי שיצא בשנת 1950: "הבנתי כי לא אוכל לכתוב את הסיפור של יהודי אירופה. טרגדיה זו לא יכולה להיכתב על ידי אדם הזר לניסיונם, מאחר שלניצולים יש נקודת מבט שאנו לא נוכל להשיג. יום אחר מספר ייצא מתוכם".

אשתו טרסקה טורס הניחה בידיו את התרגום הצרפתי של היומן שכבש את לבו ודמיונו של לוין. הוא מעיד כי קולה של אנה פרנק היה הקול שהוא חיפש ולדבריו "הקול הגיע אלי מהקבר".

זהו העיבוד הראשון לבמה, אך בהחלט לא האחרון. היומן זכה לעוד גרסאות רבות ועיבודים רבים בספרות, קולנוע, אמנות ותיאטרון. למשל (רשימה חלקית):

  • העיבוד שנעשה בשנת 1955 מאת פרנסס גודריך ואלברט הקט (שעלה בארץ בתיאטרון הבימה בשנת 1957 בתרגומו של נסים אלוני, ובכיכובה של עדה טל בתפקיד אנה פרנק).

  • הצלחת המחזה הובילה להפקת סרט בשנת 1959  שהתבסס על המחזה המקורי. הסרט זכה להצלחה כלכלית ניכרת ו-3 פרסי אוסקר. בספרה על אנה פרנק כתבה ההיסטוריונית מליסה מולר כי המחזה והסרט היו בעלי השפעה ניכרת על מעמדה של אנה פרנק כסמל ולהמחשת סיפורה.

  • בשנת 1967 ו1980 עובד המחזה לסרטי טלויזיה, וגם בישראל הוא עלה בטלוויזיה החינוכית בשנת 1974, בביצוע התיאטרון לילדים ונוער בבימויה של אורנה פורת ובכיכובם של רונית פורת, גדעון שמר, מוסקו אלקלעי, פנינה גרי ועוד.

  • אנה נו ניקי (1979)- סרט אנימה בו שולבו קטעים מיומנה של אנה פרנק עם סיפורים קצרים מפרי עטה שפורסמו בנפרד בספר "סיפורים מן המחבוא סיפורים מן האגף הנסתר".

  • בשנת 1997, המחזה עלה בשנית לבימות ניו יורק בעיבוד מחודש של וונדי קסלמן ובכיכובה של נטלי פורטמן בתפקיד אנה פרנק.

  • המחזה "אנה" מאת ג'סיקה דורלאכר ולאון דה ווינטר (2013).

  • באביב 2020 העלה בית אנה פרנק לערוצו באתר יוטיוב עיבוד של היומן ליומן רשת (בלוג), שבו החליפה מצלמת וידאו את דפי היומן.

  • בשנת 2010 יצא היומן בגרסת קומיקס על ידי האמן סיד ג'קובסון.

  • ולבסוף, 'אנה פרנק - הרומן הגרפי' שכתבו הבמאי ארי פולמן יחד עם המאייר דוד פולונסקי שיצא בשנת 2017 (ושחלקים ממנו ומתהליך יצירתו מוצגים ממש בימים אלה בתערוכה במוזיאון תל אביב), והסרט שנעשה על פיו בשנת 2021- 'איפה אנה פרנק'.

 

  

העמוד האחרון ביומנה של אנה פרנק נכתב ביום ג', 1 באוגוסט 1944 ובו כתבה:

 

"קיטי יקרה,
'פקעת של סתירות'. זה היה סיומו של מכתבי הקודם, ובו אני פותחת את מכתבי זה. 'פקעת של סתירות' – היכולה את להבהיר לי מה זה בדיוק? מה פירוש המילה סתירה? גם מלה זו, כרבות אחרות, שתי הוראות לה: סתירה מבחוץ וסתירה מבפנים.

...לא פעם כבר סיפרתי לך, שנשמתי כאילו חצויה. החלק האחד – עליזותי חסרת הרסן, לגלוגי על הכל, אהבתי את החיים וביחוד תכונתי לראות בכל את הצד הטוב; וגם זאת, שאיני נרתעת מפני פלירט, נשיקה, חביקה, בדיחה מפולפלת. צד זה שבי אורב תמיד ומסיג את גבול הצד האחר, שהוא הרבה יותר יפה, טהור ועמוק. לא כן? את הצד היפה של אנה אין איש יודע, ולכן מעטים כל כך המחבבים אותי."

 

שלושה ימים לאחר שכתבה את דף יומנה האחרון, בארבעה באוגוסט, הגיעו הנאצים למחבוא של משפחת פרנק שבעליית הגג באמסטרדם וגירשו אותם אל מחנות הריכוז.
אנה פרנק מתה ממחלת הטיפוס כמה ימים אחרי אחותה מרגוט, במחנה ברגן-בלזן בחודשים הראשונים של שנת 1945. הנאצים זרקו את גופותיהן בקבר אחים לא מסומן, ולמרות מצבת זיכרון המנציחה את שמן באתר, מקום קבורתן וגופותיהן לא נמצאו מעולם.

שרגא פרידמן

האיש והאף - סקירת 46 שנות יצירה בתיאטרון
שרגא פרידמן
שרגא.jpg

אחד מהיוצרים המגוונים והפורים בעולם התיאטרון, הקולנוע והרדיו הישראלי- שרגא פרידמן.

בחייו הקצרים הספיק להיות שחקן אופי, מחבר של יצירות רבות לבמה, כוכבם של מאות תסכיתי רדיו, במאי תיאטרון וקולנוע ומתרגם.

על מסירותו למקצוע והאהבה שבה יצר תרגם שיחק וביים אפשר ללמוד מהסיפור על איך נוצר המשפט המפורסם- 'ברד ירד בדרום ספרד הערב':

"רבות התלבטנו בעת התרגום כיצד לתרגם את השיר הידוע של הגשם היורד בספרד", מספר דן אלמגור, שביחד עם פרידמן תרגמו את 'גבירתי הנאווה'. "ואז, ערב אחד, סמוך לחצות צלצל הטלפון בדירתי. על הקו היה שרגא, נרגש כולו, והוא צוהל לתוך השפופרת: 'ברד...ברד בספרד'. באמבטיה...בתוך האמבטיה... ישבתי אחרי ההצגה באמבט רותח ופתאום זה בא... הברד ירד בספרד... כך נולד המשפט 'ברד ירד בדרום ספרד הערב'."

פרידמן נולד ב25 בפברואר בשנת 1924, בוורשה בירת פולין. כשהיה בן 15 וחצי, בספטמבר 1939 נכבשה העיר בידי הנאצים, והוא ומשפחתו נמלטו דרך וילנה, מוסקבה, אודסה ואיסטנבול לביירות. רק שנתיים מאוחר יותר- ב1941 הגיעו לחיפה.

בנערותו היה חבר בחוג הדרמטי בגימנסיה הרצליה ובנוסף למד משחק בסטודיו שליד הסניף התל אביבי של הסתדרות הנוער העובד.

אחרי שירותו בחיל הנוטרים ובלהקת החיל, התקבל למחזור הראשון של בית הספר הדרמטי שליד תיאטרון הבימה שבהנהלת מנחם גנסין, ולמד לצדם של עוד שחקנים נפלאים וחשובים בתולדות התיאטרון העברי כמו שמוליק סגל, מישה אשרוב ושושנה רביד, שנישאה לו כעבור מספר שנים.

מגיל 23 (בשנת 1947) ועד למותו בטרם עת בגיל 46- היה פרידמן שחקן ובמאי בהבימה התיאטרון הלאומי.

אפשר ללמוד על ההספק הרב שלו מרשימה (חלקית!) של עבודותיו:

בין ההצגות בהן שיחק: 'המלט' (1947), 'אותלו' (1950), 'המרד על הקיין' (1954), 'ביקור הגברת הזקנה' (1959), 'אופרה בגרוש' (1960), 'יתוש בראש' (1967) ועוד רבות וטובות.

במקביל להופעתו בתיאטרון, שיחק פרידמן בקולנוע (במיוחד זכור מסרטיו של קישון בתפקידים של מזכיר הקיבוץ האשכנזי ב'סאלח שבתי' וכקובישבסקי הביורוקרט ב'תעלת בלאומליך'.) בסרטיו הרבה להצטלם בפרופיל, כדי לשים את הדגש על "סמלו המסחרי" – הלא הוא חוטמו... כמו כן השתתף בסרטי תדמית וקריין מספר רב של סרטי תעודה ואנימציה.

השתתף כקריין וכשחקן בלמעלה מ-100 תסכיתים ותוכניות רדיו וטלוויזיה (הרבה מהם ניתן למצוא בדף מארכיון קול ישראל), ערבי קריאה, סרטונים וסרטים קצרים, הקליט סדרת תקליטים ותוכניות רדיו. קולו העמוק ועשיר הגוונים אפשר לו לגלם גם בעלים מרומים, גם ליצני חצר וגם רשעים סאדיסטיים.

מיכאל אוהד, שביים תסכיתים רבים שבהם שיחק פרידמן, סיפר על העבודה איתו:

"בעשרים השנים האחרונות עבדתי איתו על מאות תסכיתי רדיו. הוא שיחק הכל – מסקאץ' הומוריסטי של צ'אפק ועד למלך קריאון ב'אנטיגונה', מאריה נזעם ב'מאורעות דוליטל הרופא' ועד ל'מקבת' של שייקספיר. אם שמעתם אותו, דרך משל, מנסה בתפקיד קארנין לשכנע את בנו הפעוט, סרגיי, בקול נוקשה אך ספוג בושה כי אמו מתה; או בתפקיד אב אחר, ליאופולד מוצארט, המנהל את חיי בנו, וולפאנג אמדיאוס, באמצעות הדואר – ניתן היה לשער כי עבד על כל ניואנס קולי במשך שעות רבות. אשליית שווא! מעולם לא הצלחתי לגלות מתי בנה שרגא את תפקידיו; וכל תפקידיו היו בנויים רבדים-רבדים."

פרידמן שימש כעוזרם של במאים אורחים ב'הבימה' (כמו למשל לי שטרסברג), ולאחר שצבר ניסיון החל אף לביים בעצמו. הוא ביים הצגות ממחזאות אירופית (כמו למשל: 'אדון בידרמן' מאת מקס פריש, 1959), כלה במחזאות ישראלית ומקורית ('אכזר מכל המלך' מאת נסים אלוני, 1953, ומחזות של לאה גולדברג, נתן אלתרמן ועוד), ואף מחזות זמר, תכניות אמנותיות, מסכות ומחוות. רבה תרומתו גם בתיאטרון הרפרטוארי אך גם בתיאטראות קטנים יותר כמו למשל "רביעיית מועדון התיאטרון", עבורם ביים מערכונים רבים שאת חלקם כתב בעצמו.

כשנשאל על עבודתו כבמאי הוא העיד "לבמאי יש צורך בעיניים פקוחות ובאוזניים נטויות. ניסיוני כשחקן עוזר לי רבות. אני יודע שבתיאטרון, השחקנים הם העושים את המחזה. לפיכך אני משתדל להביאם לכך, שיראו את ההצגה מנקודת המבט שלי".

הוא תרגם שירים ופואמות מיידיש ופולנית של משוררים רבים (איציק מאנגר למשל), ובעיקר תרגם מחזות זמר כמו 'אוליבר!', 'כנר על הגג' (ליידיש) אך התרגום הידוע ביותר שכתב ביחד עם דן אלמגור הוא 'גברתי הנאווה'. למעשה, התרגום הזה משומש עד היום ברוב התאטראות (כמו למשל בהפקת 2013 בכיכובם של נתן דטנר ושני כהן).

דן אלמגור מספר עוד על מלאכת התרגום המשותפת:

"לפני שהעלינו שורה על הכתב, היה שרגא 'מגלגל' אותה על הלשון' כדברו, כדי לראות כיצד היא מצלצלת. נסיונו העשיר כשחקן וכקריין הוא שגרם לכך שהשחקנים שהשמיעו את הטקסטים הללו, לא נאלצו להיאבק עם משפטים מסורבלים, מילים קשות להגייה ועיצורים דומים הסמוכים זה לזה. כל שורה ושורה שנמסרה להם על ידי שרגא הבמאי עברה תחילה בדיקה ב"מכון התקנים" הפרטי שלו. הוא היה מנסה להשמיע כל משפט בדרך זו או אחרת, תוך שינוי בתחביר, במילים או בהטעמה, עד שהנוסח מצא חן בעיניו."

בשנת 1970 הוזמן להשתתף בהצגה 'שירי החומש' של איציק מאנגר בתיאטרון של אברהם דשא (פשנל), אך נפטר זמן קצר לפני הצגת הבכורה.

פרידמן נפטר מהתקף לב פתאומי בגיל 46. הותיר אחריו רעיה, השחקנית שושנה רביד, ושלושה ילדים.

מיכאל אוהד הספיד את פרידמן:

"שרגא ידידי, הנה ביקשתי להקדיש לך רקויאם - ונכשלתי. איני מסוגל לסלף את דמותך. כתבתי על הקומדיאנט שהכרתי. את הטרגדיות אני משאיר לאחרים. אני מתגעגע למעשיות שלך ולאיחורים שלך, אך יותר מכל אני מתגעגע למשחק שלך. לדידי, אתה חי יותר מרבים שישחקו הערב בתיאטרון וינסו להתבלט. אצלך לא היתה שום בעיה: במקום שבו עמדת אתה - שם היה מרכז הבמה. פחות משבוע לאחר שנפטרת כבר נמצא לך מחליף בהצגת 'שירי החומש'. ההצגה חייבת להימשך. אבל תחליף לא נמצא לך - לא בערב איציק מאנגער, ובודאי שלא ב'הבימה'. לא לפני שנה. וגם לא בעוד עשר שנים. יהי זכרך ברוך."

 

מקורות והמלצות לקריאה וצפייה:

בראש ובראשונה- האתר שיצרו ילדיהם של שרגא פרידמן ושושנה רביד (ביחד ארכיון תיאטרון הבימה) בהוקרה על תרומתם לעולם התרבות בישראל.

רמי סמו, מנהל מוזיאון ארכיון תיאטרון הבימה, כתב: "ייעדו של האתר, הנצחת פועלם האומנותי של שני יוצרים, שאהבו את עולם התרבות אהבת נפש ושהקדישו לו את מיטב שנותיהם. בד בבד, הוא מספר את תולדות התיאטרון העברי והישראלי, כפי שמשתקף בפעילות העניפה והחשובה של שרגא ושושנה."

הספר "מסך אחרון" שיצא לאחר מותו של פרידמן והוקדש לפועלו רב התחומים.

ערוץ היוטיוב של פרידמן- לשם עלו סצנות וקטעים מתוך הצגות ומופעים, ראיונות ועוד.
'להרוג אותו' - תסכית מאת יהודה עמיחי, בימוי אפרים סטן, 1969
עמוד הויקיפדיה של של שרגא פרידמן.

שרגא פרידמן

לכבוד יום העברית

אליעזר בן יהודה.jpg
לכבוד יום העברית

לכבוד יום העברית (שחל בי"ט בטבת), ליקטנו עבורכן (וגם עבורכם) מילים שימושיות בעגת התאטרון ברשומה ייחודית אחת (פוסט):

הצעה- אולי בתקופה הקרובה אתן יכולות לא לעשות אלא לערוך חזרות. על מה? אולי על חַד-שִׂיחַ- מונולוג, או שמא שִׂיחַ, דּוּ-שִׂיחַ (אם שתיים מדברות) - דיאלוג. אבל גם על הרבה דברים אחרים: על המִדְבָּר שלכן- דיקציה. אם במקרה יש במחזה שִׂיחַ מֻסְגָּר- אסייד (aside), או אִימְפְּרוֹבִיזַצְיָה- אִלְתּוּר, מִנֵּהּ וּבֵהּ, או בכלל על כל מַעֲמָד אחר- כלומר סצנה. רק אם נעבוד הרבה נצליח לייצר את ההַשְׁלָיָה- אילוזיה, אשליה.

אך יצירת הַשְׁלָיָה לא תלויה אך ורק במשחק, גם בהרבה גורמים אחרים: מַסְוֶה וגם פִּרְכּוּס- איפור, אַבְזָרִים- פרופס, בנות ובני זוג, שותפים- פרטנרים- שיוצרים ביחד חֲבוּרָה - אנסמבל. (עצה שימושית- אל תעשו לשותפכן אפסטייג'- אל תעמדו ביַרְכְּתֵי הַבִּימָה.)

גם האנשים החרוצים שעובדים בתאטרון ראויים להיקרא בשפת הקודש- סַדְרָן וסַדְרָנִית הם גם מוֹרֵי דֶּרֶךְ, מְפַקֵּחַ הַבִּימָה- מנהל הצגה, בִּימָר- טכנאי (איש טכני),יוֹעֵץ דְּרָמָטִי- דְּרָמָטוּרְג, וכמובן הבַּמַּאִית או הבַּמַּאי (בהשראת בָּמָה) או בִּימַאִית ובִּימַאי (בהשראת בימה).

במקור, אגב, בַּמַּאי נקרא בַּיָּם (בי"ם-מן המילה בימה). את המונח הזה (שנעלם כליל מלשוננו) אפשר למצוא גם בעיתונות העברית בת התקופה.

מאחלים לכולן ולכולם שבכל סוג מחזה שונה שתביימו אותו, תשחקו בו או תעצבו בשבילו- קומדיה שהיא גם מַחֲזֶה מְבַדֵּחַ, מחזה של בופונים שהוא: מַעֲמַד מוּקְיוֹנִים, ומַחֲזֵה בְּכִית- מלודרמה- שתמיד יהיה אוּלָם מָלֵא, אוּלָם מָלֵא וְגָדוּשׁ. הַכַּרְטִיסִים אָזְלוּ!

נ.ב.- אם שלל המילים והביטויים שלעיל לא מספקים אתכן ואתכם- תמיד אפשר להתנחם במילה "סימנית"- שהיא, מסתבר- "קיו", בידיעה ש"פחד במה" נקרא גם "אימת הציבור" ובעוד מונחי תאטרון במילון המלא:

קישור למילון המלא למונחי תאטרון באתר האקדמיה ללשון העברית (שפורסם לראשונה בשנת ת"ש, 1940)

ועוד סתם משהו לא קשור- לאה גולדברג המשוררת הנפלאה כתבה: "בדברים קטנים ניכר המשחק הגדול" ואף אמרה פעם לתלמידי בית הספר למשחק: "קודם כל יש להבין, לבכות כל אחד יודע"

אותלו

אותלו

מבין כל המחזות של שייקספיר, ל'אותלו' יש את התיעוד הנרחב ביותר. ההופעה הראשונה הידועה התרחשה ב -1 בנובמבר 1604, בארמון ווייטהול בלונדון, וכונה ברישום "המורי מונציה". ההצגה מיוחסת למחזאי בשם ל"שקסברד" (מכירים את התיאוריה שלפיה שייקספיר הוא בכלל המצאה? עוד על כך בתגובה הראשונה).

ההצגה עלתה בעוד תאטראות רבים, ובינהם "הגלוב" של תיאטרונו של שייקספיר, ובאוקספור. בתיאטרון בלקפריירס. ההצגה נבחרה גם להציג לרגל חתונתם של הנסיכה אליזבת ופרדריק החמישי, על ידי אנשי המלך בחורף 1612.

שחקנים רבים ונפלאים מזוהים עם התקפידים של אותלו, יאגו ודזדמונה. רשימה חלקית:

אותלואים- ניקולס ברט, אירה אלדרידג ', אדמונד קין, אדווין פורסט, טומסו סלביני. בישראל- אהרון מסקין, אריה צ'רנר, ג'וליאנו מר, מיקי לאון, נחום בוכמן, עמוס תמם ועוד.

יאגואים- וולטר קלון, אדווין בות והנרי אירווינג. בישראל- גל זייד, יוסי עיני, ישראל (סשה) דמידוב, מישא אשרוב, רמי ברוך, שמעון פינקל ועוד.

דזדמוניות- מרגרט יוז (ככל הנראה השחקנית המקצועית הראשונה שהופיעה על במה ציבורית באנגליה). בישראל- בר שדה, מאיה מעוז, שושנה רביד, שימרית לוסטיג, תקווה מור ועוד

עוד הפקה מעניינת במיוחד היא של הבמאית מרגרט וובסטר מ -1943 בכיכובם של פול רובסון בתפקיד אותלו, ג'וזה פרר בתפקיד יאגו ואוטה האגן (כן, היא ולא אחרת!) בתפקיד דזדמונה. זו הייתה הפעם הראשונה באמריקה של קאסט שמורכב כולו משחקנים לבנים, חוץ מהשחקן הראשי ששיחק את אותלו שהיה שחור. ההצגה זכתה לשבחים ורצה 296 פעמים!

המחזה תורגם לעברית בידי מתרגמים רבים וטובים- נתן אלתרמן (שהקדיש את המחזה "לשחקן העברי הגדול אהרון מסקין"), פנחס אלעד, ש"צ דוידוביץ, נסים אלוני, ט. כרמי, דורי פרנס ואלי ביז'אווי. אבל אולי כדאי להזכיר שהתרגום הראשון למחזה היה של יצחק אדוארד זלקינסון- יהודי מומר, משכיל עברי ומיסיונר נוצרי. הוא פירסם את התרגום בוינה בשנת 1874 בשם: 'איתיאל הכושי מוינעציא'. למעשה, היה זה התרגום הראשון של מחזה שייקספירי לעברית.

זלקינסון נהג לעברת את שמותיהם של המחזות והדמויות (תרגומו ל"רומיאו ויוליה" נקרא "רם ויעל"). את שמו של אותלו תרגם זלקינסון לאיתיאל. ומה בדבר שאר שמות הדמויות? מוזמנים להסתכל בתמונה המצורפת ולהיווכח בעצמכם...

סצנה מתוך ההפקה של מרגרט וובסטר. פול רובסון בתפקיד אותלו, אוטה האגן בתפקיד דזדמונה.
איתיאל הכושי מוינעציא על פי שעקספער מאת יצחק אדוארד זלקינסון.png
פוסטר להפקה אמריקאית משנת 1884 בכיכובו של תומאס ו. קיין..jpg
אותלו, אנתוניו מוניוז דחרן.jpg
שמות המדברים מתוך איתיאל הכושי מוינעציא מאת זלקינסון.jpg

נורית קציר

נורית קציר

נורית קציר (במקור קצ'סקי) נולדה ב19.6.1943, לפרופ' אפרים קציר ז"ל (ביופיזיקאי, לימים, נשיאה הרביעי של מדינת ישראל) ולנינה קציר ז"ל (מורה לאנגלית שביוזמתה נחגג בישראל שבוע הילד הבינלאומי).

ילדותה של נורית עברה עליה בירושלים וברחובות ואפילו בארצות שונות בעת שהות הוריה בחו"ל. כבר בתיכון, בתנועת הנוער ובהיאחזות הנח"ל, ארגנה אירועים ומסיבות וניכרה משיכתה לתיאטרון. היא אף למדה בבית הספר הדרמטי שליד התיאטרון הקאמרי. במהלך שירותה הצבאי עברה לאזור המרכז והתחילה ללמוד בחוג לתיאטרון באוניברסיטת תל אביב.

''אם אומר כי אני יודעת מדוע בחרתי להיות שחקנית, הרי יהיה זה כאילו אמרתי שאני מבינה את אהבתי לתיאטרון – וזאת אינני מבינה. אני יודעת כי אני אוהבת את ריח הבמה, את ארץ הפלאים שלתוכה גולש השחקן, על כנפיהן של קרני אור הנשלחות מזרקור ישן. את השקט הכבד עמוס הציפייה השורר באולם, שבריר של שנייה לפני עלות המסך..''

בשנת 1964 נסעה נורית לארצות הברית, שם למדה תיאטרון באוניברסיטת קליפורניה. היא גילמה, בין היתר, את וירגיליה ב'קוריולנוס' של שייקספיר, דבר ייחודי משום שזו הייתה הפעם הראשונה בה סטודנטית זרה קיבלה תפקיד ראשי.

לאחר הצגת הבכורה של 'המלכה והמורדים' מאת הוגו בטי, בה גילמה את המלכה אליזבת, כתבה למשפחתה:

"האנשים שבאו אליי לחדר האיפור אמרו: "it was just beautiful".

לא יפה להתגאות, אבל אחרי חמישה שבועות של עבודה קדחתנית ותקוות וחלומות מותר קצת להשוויץ בחוג המשפחה, לא?"

במקביל ללימודיה, לקחה חלק בסטודיו למשחק של פרנק סילברה בהוליווד, וכן התנדבה בניהול שידורי השעה העברית ברדיו.

ב1965 חזרה נורית לארץ. בתחילה תכננה לחזור לחופשה, אך להפתעתה, קיבלה תפקיד בתיאטרון 'דורות' בהצגה 'הורים איומים' (מאת: ז'אן קוקטו; בימוי: יואל זילברג).

הקריירה המבטיחה של נורית נקטעה באיבה שנה לאחר מכן. ב10 בדצמבר 1966 נפטרה נורית מהרעלת גז שנפלט מתנור בחדר בו ישנה, והיא רק בת 22.

באחד ממכתביה לאמה כתבה כך:

"אולי אמת הדבר שלהיות אמן פירושו להיות לבד. שאז, גם אם יש משפחה וידידים ואהבות- אין לוקחים אותם לשדה הקרב; נושקים אותם בבית לשלום והולכים לבד. אבל יש בזה כם איזו עוצמה יפה וגאה. שהלא כל פעם שכובשים לבד, ולולא רק לרגע קט אחד, יש אז גם כל האומץ לקוות ולחלום את החלומות הנועזים ביותר."

ב-1978, יסדו הוריה את המרכז העירוני לתיאטרון בירושלים לזכרה.

 

104179701_3671641269529519_1022048597330973980_n.jpg
104115904_3671641309529515_7410477544204201857_n.jpg
אשכבה

ההצגה אשכבה

אשכבה לוין.jpg

בתאריך 19.3 בשנת 1999 עולה לראשונה המחזה "אשכבה" לחנוך לוין. ההצגה שעלתה בקאמרי הופכת לבסוף להצגה האחרונה שחנוך לוין כתב וביים במלואה.

המחזה מבוסס על 3 סיפורים קצרים של צ'כוב ועוסק בחיים עם/למרות המוות.

לוין עוסק בחוסר משמעות הקיום כמו גם אי הקיום ונע על קו שבין יאוש לקמצוץ התקווה הקמל.

ההצגה זכתה בשישה מפרסי התיאטרון לאותה שנה (בינהם הצגה, בימוי ומחזה) ונחשבת עד היום לאבן דרך בתיאטרון הישראלי.

ההצגה ממשיכה לרוץ עד היום (פעם בשנה בבימוי המקורי)

מיכאל הנדלזץ כתב: "מי שהיה באולם יכול להעיד שההצגה התקיימה באווירה של פולחן, במידה מסוימת כיאה להיותה סוג של תפילת אשכבה. כשאני אומר "פולחן" איני מתכוון להיות התיאטרון "מת", מוזיאוני (כהגדרתו השוללת של פיטר ברוק) אלא דווקא לכך שהוא מעניק תחושת התעלות של התכוונות אמת לדברים".


מי שלא זכה לקחת חלק בפולחן להלן לינק מלא להצגה. מי שזכה להלן לינק קחו חלק בפולחן פעם נוספת.

דבורה קידר

דבורה קידר

 

דבורה קידר נולדה בליטא ב8.6.1924 ולאחר חודשים אחדים משפחתה עלתה ארצה ומגיל שבע חיה בתל אביב.

כילדה ניגנה בפסנתר ("אבא שלי רצה שאהיה מורה לפסנתר או פקידה; בקיצור, שתהיה פרנסה") ומתיאטרון כלל לא התלהבה, עד שיום אחד היא וחבריה עברו ברחוב שבו נערכו מבחנים לסטודיו של הבימה בניהולו של צבי פרידלנד. חבריה התגרו בה, בתור החקיינית והבדרנית שלהם, והתערבו איתה אם היא תוכל להיכנס להיכנס לאודישן. היא אכן נבחנה ויהושע ברטונוב הבחין בכישרונה המתפרץ ו"די בזכותו נהייתי שחקנית". היא התקבלה וכבר כחניכת הסטודיו הייתה ניצבת בהצגות הבימה. קידר עוד לא הייתה בת 17 כשהשתתפה בהצגת "רומי וירושלים".

לאחר סיום לימודיה הצטרפה לתיאטרון המטאטא (כיום היא אחרונת שחקניו שעודנה בחיים), שם התאהבה בתאורן של התאטרון יצחק הלטר ונישאה לו.

במהלך הקריירה המרשימה שלה גילמה עשרות תפקידים ובהם: אמא אובו ב"המלך אובו", החותנת ב"החותנת", והאם בטרילוגיה של שמואל הספרי "קידוש", "חמץ" ו"שבעה" (על תפקידה ב"חמץ" זכתה בפרס התיאטרון הישראלי בקטגוריית שחקנית המשנה הטובה ביותר), ועוד רבים וטובים. גם בקולנוע הישראלי הרבתה לשחק, בין היתר ב"מבצע יונתן", "אסקימו לימון", "נקמתו של איציק פינקלשטיין" ו"ציפורי חול"- על שני התפקידים האחרונים קיבלה פרס אופיר בקטגוריית שחקנית המשנה הטובה ביותר.

עוד פרסים ותארים שקיבלה הם פרס מפעל חיים של עמותת פרסי התיאטרון הישראלי, פרס תמרה רובינס, פרס רוזנבלום לאמנויות הבמה למפעל חיים מטעם עיריית תל אביב, פרס למפעל חיים מטעם תיאטרון הבימה, יקירת העיר תל אביב-יפו לשנת המאה לעיר, פרס אמ"י למפעל חיים ותואר דוקטור לשם כבוד מאוניברסיטת בר-אילן.

"על פעילותה הנרחבת בתיאטרון ובקולנוע, וכן על תרומתה להעשרת התרבות הישראלית ולקידומה. הדמויות המגוונות שגילמה בכישרון רב על במות התיאטרון ובקולנוע סחפו את הקהל וטלטלו אותו בין צחוק ודמע. רגעי קסם ונחמה אלה, הותירו את חותמם בזיכרון הקולקטיבי" (מתוך הנימוקים לתואר דוקטור לשם כבוד).

 

המלצת האזנה- שיחה של אודיה קורן ונתן דטנר עם דבורה קידר בתוכניתם ברדיו

דבורה קידר.jpg

אלי ביז'אווי

אלי ביז'אווי
אלי ביז'אווי.jpg

אלי ביז'אווי הוא אחד המתרגמים הפעילים והחשובים בארץ.

ביז'אווי נולד לפני 42 להורים יוצאי צרפת ותוניסיה, שניהם אנשי אקדמיה.

אביו, אילן ביז'אווי, הוא דוקטור לכלכלה, ואמו, סילביה פוגל־ביז'אווי, היא פרופסור לסוציולוגיה.

במהלך שירותו הצבאי יצר ביז'אווי עם המוזיקאי עמית צח את 'משפט האלים'- עיבוד מוזיקלי ל'אדיפוס המלך' של סופוקלס. ההפקה עלתה בפסטיבל עכו 2000 בבימויו של צדי צרפתי וזכתה לארבעה ציונים לשבח: ביניהם על הטקסט (לביז'אווי) ועל המוזיקה (לצח).

ביז'אווי למד בימוי והוראת תיאטרון בבית הספר לאמנויות הבמה של מכללת סמינר הקיבוצים, ובמקביל עשה את צעדיו הראשונים כבמאי ומתרגם בבית צבי.

בראיון לאריאל הורוביץ, סיפר על נחיצות התרגומים החדשים בתור סטודנט לבימוי:

"שמתי לב לפער מאוד גדול בין התרגומים של המחזות לבין ההעמדה שלהם על הבמה. בכל פעם שהייתי מביים סצנה מתוך מחזה, העברית נשמעה מלאכותית, מאולצת. לא ידעתי להצביע בדיוק על הבעיה, אבל הרגשתי שאי אפשר לדבר את הטקסטים האלה"

עם השנים, ביז'אווי תרגם מצרפתית ומאנגלית עוד ועוד יצירות, מקלאסיקה ועד מחזות זמר.

למעשה, עד היום הוא תרגם למעלה מחמישים מחזות לתאטרון!

על תרגומו למחזה 'טרטיף' מאת מולייר, זכה בפרס קרן רבינוביץ לתרגום מחזות ע"ש עדה בן נחום. מנימוקי השופטים:

"בתרגומו החדש לקומדיה הקלאסית, אלי ביז'אווי מצליח לצקת לעברית את טרטיף של דורנו. מעבר להתמודדות המוצלחת ביותר עם אתגרי הסגנון, מצליח ביז'אווי להפיח מפי הדמויות עברית מגוונת, מסולסלת, מבודחת, מודעת לעצמה, חגיגה לשונית של דיוק ושל צבע. ביז'אווי אינו מתפתה לאף אחת מהמלכודות שהמחזה טומן למעבדיו, הוא שולט

בזרימה ומנווט את האסוציאציות משל היו זיקוקין די-נור של חגיגה לשונית עכשווית הנשענת על מסורת רבת שנים.

ניסיונו של ביז'אווי בתחום התיאטרון המעשי, מאפשר לו לחבר באופן מיידי את התרגום הכתוב לצורכי ההופעה של השחקנים ושפתו משרתת את כישרונם ומציתה אותו כאחד.

ביז'אווי ממשיך את מסורתם המפוארת של שלונסקי, אלתרמן, סובול וקודמיו, שהתמודדו עם המחזה הזה תוך שהוא מתמקם היטב במגוון אפשרויותיה של העברית העכשווית."

השנה זכה בפרס רוזנבלום לאומניות הבמה על תרומתו לתחום תרגום מחזאות בינלאומית וחשיפתה לקהל הישראלי. מנימוקי השופטים:

״ביז'אווי מצא דרך ייחודית להנגיש את הטקסט לקהל, תוך יצירת נורמות תרגום חדשות וישירות, כל זאת בלי לפגוע במורכבות היצירה הדרמטית״.

אנו מאחלים לך עוד הרבה שנים טובות של עשייה מבורכת ויצירתית!

יוסף כרמון

יוסף כרמון

יוסף כרמון.

כמעט ולא צריך להציג את השחקן הנפלא, שקיבל לאחרונה פרס מפעל חיים מארגון השחקנים שח"ם, שמצטרף לשורת פרסים ובהם כינור דוד (על משחקו בהצגה "יסורי איוב") ושני פרסי מפעל חיים נוספים.

יוסף כרמון (שם הבמה שלו, אך למעשה שם משפחתו הוא קורמן) שיחק בחיו עשרות (אם לא מאות) תפקידים בתאטרון ובקולנוע, ביניהם מקבת, פליישר, מיכאל קולהאס, ושלל תפקידים בהצגותיו של חנוך לוין: הזקן באשכבה, לידנטל ביעקובי ולידנטל, יוחנן צינגרבאי בסוחרי גומי ועוד רבים וטובים, ובקולנוע בסרטים חיותה וברל, מסע אלונקות, מר באום, ארץ חדשה ועוד רבים וטובים.

ב-1955, ביום בו התחתן, הוקפץ להחליף את יצחק שילה (שהובהל לבית החולים בעקבות דלקת מעיים) בתפקיד הראשי, אורלנדו, בהצגה "כטוב בעיניכם" מאת שייקספיר שביים יוסף מילוא. כרמון למד את התפקיד במהלך הלילה, ועם בוקר יצאה אל הוריו משלחת קטנה ונכבדה, שכללה את הבמאי מילוא ואת השחקנית הראשית חנה מרון, כדי לבקש מהם לאפשר לחתנם המאושר לטוס מהחופה אל הבמה. וכך, כרמון התחתן בשעה שש בערב, ובשעה שמונה עלה לבמה. והפרס? התפקיד נשאר שלו.

כרמון.jpg
שלמה בר שביט
בר שביט.jpg

אחד מגדולי שחקני התאטרון הישראלי.

בר שביט, או בשם ילדותו וכפי שרבים כינוהו- שלוימל'ה, שיחק בחייו מעל ל-250 תפקידים בהצגות שונות (וביניהן בהצגות- 'ריצ'רד השלישי'- "תפקיד חיי" לדבריו, 'המלביש', 'הכיסאות', 'פר גינט', 'אירמה לה דוס' ועוד ועוד), היה המנהל האמנותי של תאטרון הבימה בשנים 1977-1978, וזכה במהלך השנים בפרסים רבים (פרס התיאטרון הישראלי על מפעל חיים, דוקטור לשם כבוד באוניברסיטת בר-אילן ויקיר העיר תל אביב-יפו).

שלוימל'ה מספר שנולד בירושלים בשנת 1928 למשפחת רבנים מפוארת. אביו, שהיה פועל בניין שתיין (ושבערוב ימיו התאבד) ואמו שהייתה אחות בבית חולים, נפרדו כשהיה בן 4 בלבד, לאחר ריב אלים, ואמו עזבה את הבית. בילדותו, שלוימל'ה אף פעם לא קיבל מהוריו חיבוק, נשיקה או סיפור לפני השינה. לאחר הפרידה הוא נמסר לקיבוץ ועד לגיל הנעורים עבר בין יותר מעשרה קיבוצים ומוסדות חינוך שונים.

כשעלה לבמה לראשונה בהצגה בקיבוץ גבעת ברנר בגיל 7, צעק בתור הדמות ששיחק: "שריפה!". הקהל המקומי השתכנע כל כך עד שקם ממקומו בבהלה והחל לברוח. אז, אמר בר שביט, הבין ש"שחקן זה דבר מופלא".

מאז עבר מסלול חיים מרשים, התקבל לסטודיה הדרמטית בתאטרון הבימה, שם התגלה בתפקיד דני מ'בערבות הנגב', (מאת יגאל מוסינזון) לצד 'הוריו החדשים'- חנה רובינא ואהרן מסקין. "אני נולדתי בהבימה"- נהג לומר.

מאז לא הפסיק לשחק, להצחיק לרגש ולהפתיע את הקהל בהצגות, מחזות זמר, סדרות טלויזיה, סרטים, תסכיתים, ואפילו אלבומים שבהם השתתף.

בשנת 2008 יצר את הצגת היחיד 'שחקן מפתח' ששילבה הקלטות וקטעי סרטים של גדולי שחקני 'הבימה' ובה סיפר על קריירת המשחק המרשימה שלו. בנוסף, הוציא ספר בשם 'הנשמה התשיעית' המגולל את סיפור חייו.

שלמה בר שביט נפטר ב 8.9.2019 והוא בן 90 במותו.

המלצות צפייה:

הסרט 'יתום עם הורים' (2004)

ראיון עם בר שביט בתכנית 'הבימה מערכה שנייה'

שלמה בר שביט

ניקו ניתאי

ניקו ניתאי

איש התאטרון, השחקן והבמאי ניקו ניתאי.

ניתאי נולד בבוקרשט שברומניה בשנת 1931 בשם ניקו יעקוב, שם גדל ולמד תאטרון, ועלה ארצה בגיל 30.

את דרכו המקצועית בארץ התחיל בתאטראות ממסדיים כמו תאטרון חיפה, הבימה, צוותא והאוהל. לאחר מלחמת יום הכיפורים, שינה נתיב מקצועי ועבר ליצור ולעסוק בתאטרון פרינג'.

בשנת 1975 העלה את הצגת היחיד המונומנטלית "הנפילה" שמבוססת על ספרו של אלבר קאמי. ההצגה רצה מאז ועד כמעט ליום מותו, כ-45 שנים(!), והיא הצגת היחיד הוותיקה ביותר בארץ.

בשנת 1982 ניתאי ייסד את תאטרון הסימטה ביפו, אשר הפך לאחד המהמרכזים החשובים לתאטרון שוליים בישראל, ואותו ניהל את במשך כשני עשורים.

בשנת 2001 הקים את 'תאטרון קרוב' בבית מרכזים בתל אביב, ובשנת 2004, לאחר שריפה במקום, עבר התאטרון למתחם התחנה המרכזית החדשה, שם פועל עד היום.

ניתאי מוכר גם מההופעות הטלוויזיוניות שלו, ובעיקר מתכנית הטלוויזיה החינוכית "קשת וענן" ששודרה בין השנים 1986-1983.

ניתאי זכה בפרסים רבים, ביניהם: פרס רוזנבלום לאמנויות הבמה על מפעל חיים ותרומתו לתרבות התיאטרון, תעודת כבוד- Diploma de Onare, ממכון התרבות הרומני בישראל, פרס "קיפוד הזהב" על מפעל חיים על תרומתו לתיאטרון הפרינג', פרס לנדאו לאמנויות הבמה בתחום התיאטרון, אות אבירות מטעם נשיא רומניה עבור הצטיינות תרבותית, ועוד.

בלכתו בגיל 88, ב23 במרץ, בשנת 2020, הותיר אחריו שתי בנות, חמישה נכדים ובעיקר מורשת תאטרון מכובדת ועשירה שפרצה דרך בתאטרון השוליים הישראלי.

ניקו ניתאי.jpg
צבי גורן
צבי גורן.jpg

צבי גורן, נולד בתל אביב, למד תיאטרון במסגרות שונות: בהבימה, בסטודיו השחקנים ובקאמרי.

שיחק בהבימה, בתיאטרון חיפה, בתיאטרון אהל ובתיאטרון נווה צדק.

למד באוניברסיטה העברית בירושלים לימודים רוסיים, ספרות כללית והיסטוריה כללית לתואר ראשון, וספרות השוואתית לתואר שני.

במשך למעלה מ17 שנים היה מבקר אמנויות הבמה הראשי באתר האינטרנט 'הבמה'.

בנוסף, הוא היה עורך ומפיק בקול ישראל, כתב עורך, מפיק ובמאי בטלוויזיה הישראלית, ראש מח' החדשות בגלי צה"ל, עורך ב'על המשמר' וב'דבר ראשון'.

אהבתו הגדולה לתיאטרון ולאמנויות הבמה בכלל הייתה ידועה לכל. תמיד היה פתוח ומזמין שיחה ודיאלוג, תמיד דאג לציין את כל היוצרים והמעצבים ולהתייחס לכל האספטים השונים של ההצגות.

הביקורות שלו ייחודיות מסיבה מאוד מחממת לב- צבי תמיד השתדל תמיד לכתוב ביקורות על הצגות שהוא אהב. אם לא היה לו דבר חיובי לומר על ההצגה, הוא לא כתב ("לא אוהב לא כותב").

רועי מליח רשף מוסיף כי בכל שבכל הנוגע לסטודנטים, צבי גורן אמר לו שהוא חייב כמבקר למצוא את מה שטוב: "אסור לגדוע שתיל". הוא מצא מילים מעניינות כמו "משחק יעיל ואפקטיבי", "שירת יפה את תפקידו" וכו'.

הגישה טובת הלב, הנדיבה והמקצועית שלו תמשיך להוות השראה בעולם התרבות בישראל.

קישור לכל הביקורות שלו שפורסמו באתר הבמה.

צבי גורן

רמי דנון

רמי דנון

השחקן, המחזאי והבמאי רמי דנון.

דנון נולד במרוקו בשנת 1943 ובגיל 6 (ובגיל שנה למדינת ישראל) עלה ארצה. בשנות ה 60 למד תאטרון ודרמה בסטודיו של נולה צ׳לטון, וב 1968 הצטרף לקבוצת אנשי תיאטרון שיחד הקימו את תאטרון החאן בירושלים.

מיד לאחר לימודיו בחוג לתיאטרון באוניברסיטת תל אביב, הצטרף לצוות השחקנים הקבוע של תאטרון חיפה. במהלך השנים לקח חלק בהצגות רבות בתיאטרונים השונים: בית ליסין, הקאמרי, הבימה ותאטרון באר שבע.

במשך יובל שנות קריירה, הוא שיחק בעשרות תפקידים מגוונים, בין היתר, במחזות 'שש נפשות מחפשות מחבר', 'מלאכים באמריקה','מחול המוות', וכן בסרטים שונים כגון 'מאחורי הסורגים', 'חיוך הגדי' ועוד רבים וטובים.

מאמצע שנות ה 80 החל גם בקריירת מחזאות ובימוי. דנון כתב מחזות חשובים בתולדות התאטרון הישראלי כגון 'שיינדלה' (אותו גם ביים יחד עם אמנון לוי) מחזה פורץ דרך שעוסק בחיי הקהילה החרדית, ההצגה זכתה לפרסים רבים. כמו כן כתב את 'הצמה של אבא' ועוד. הוא ביים רבים ממחזותיו וכמו כן מחזות רבים אחרים כגון: 'רעולים', 'הבן הטוב', 'שד קטן' ו'חצוצרה בואדי'.

בנוסף, דנון הקים את התאטרון הקהילתי בעיר שדרות בשנת 2003.

בלכתו בטרם עת בגיל 76 בתאריך 3.10.2019, הותיר אחריו מורשת תאטרון ענפה.

רמי דנון.jpeg
רוני פינקוביץ
רוני פינקוביץ' (צילום: אייל לנדסמן)

רוני פינקוביץ' היה איש תיאטרון נפלא, במאי, מחזאי ושחקן, איש חם, מקצועי, אוהב תיאטרון ואדם.

פינקוביץ' נולד ב18 באפריל 1964 וגדל ברמת גן. כבר כנער בלטה אהבתו לתיאטרון. הוא למד בסדנת הנוער של התיאטרון לילדים ולנוער של אורנה פורת, בתיכון למד תלמה ילין, בצבא שירת בתיאטרון צה"ל, וכשהשתחרר למד משחק בסטודיו למשחק ניסן נתיב ובימוי באוניברסיטת מידלסקס.

הוא אחד מהבמאים הפוריים ביותר, וביים מעל לחמישים הצגות, ביניהם 'עוץ לי גוץ לי' (בתיאטרון הקאמרי, זכתה בפרס התיאטרון הישראלי כמחזמר הטוב של השנה לשנת 2003), 'האבא' (בתיאטרון בית ליסין, זכתה בפרס התיאטרון הישראלי כהצגת השנה לשנת 2015), 'פרודו', 'קרב של שחור וכלבים', 'הלילה השנים עשר', 'יומנה של אנה פרנק', 'פילומנה', 'מותו של סוכן', 'מקס ומוריץ' ועוד ועוד.

בנוסף לעושר עבודתו כבמאי (הוא היה אף במאי הבית של תיאטרון הבימה), פינקוביץ' פעל ללא לאות לקידום התאטרון: הוא הקים את קבוצת הפרינג' 'תיאטרון הבטון' בגבעתיים, וכיהן כמנהל האמנותי של תיאטרון חיפה ותיאטרון המדיטק חולון. בנוסף, פעל רבות לקידום שחקנים צעירים כמורה בבית הספר למשחק בית צבי ובסטודיו למשחק של יורם לוינשטיין, ולקידום מחזאים צעירים בהפקות שביים במסגרת פסטיבל 'פותחים במה' של תיאטרון בית לסין.

בגיל 25 אובחן כחולה בטרשת נפוצה, מחלה איתה התמודד עד לימיו האחרונים. הוא בחר לסיים את חייו בשוויץ.

פינקוביץ' השאיר אחריו את אשתו תומי יואל ושלוש בנות.

מורשתו ותרומתו לתיאטרון ולקידום התרבות ישארו וילוו אותנו עוד שנים רבות.

רוני פינקוביץ'

אנטיגונה מאת ז'אן אנוי

אנטיגונה

'אנטיגונה' שכתב ז'אן אנוי (או אנואי) היא גרסה מודרנית לטרגדיה הקלאסית של סופוקלס.

עלילת המחזה נסובה סביב קראון, דודה של אנטיגונה שמצווה להשאיר את גופתו של פולינקס - אחיה של אנטיגונה, חשוף בשדה ומצהיר שמי שיעז לקבור אותו- דינו מוות. אנטיגונה מסרבת לקבל את החוק ונחושה בדעתה לחלוק לאחיה כבוד אחרון. היא יוצאת לקבור את אחיה ובכך יוצאת למרד אל מול החוק, מול המלך, מול שלטון.

את המחזה אנוי כתב בשנת 1942, בצרפת תחת הכיבוש הנאצי, והוא הופק תחת הצנזורה הנאצית. מוצגות בו השקפות עולם ועמדות סותרות- דחיית סמכות (עמדת אנטיגונה- ששמה ביווניתΑντιγόνη פירושו– "זו שנועדה להתנגד") אל מול קבלת הסמכות והחוק (העמדה של קראון), וניתן להבחין בהקבלה לתנועת ההתנגדות הצרפתית, שנוצרת במחזה.

אנוי חוזר אל המיתולוגיה היוונית ומוצא את נקודות החיבור בין הטרגדיה הקלאסית והמציאות האכזרית אותה הוא חווה. הוא בוחן את הדברים מנקודת מבט מודרנית ומעלה שאלות רלוונטיות ועכשוויות – האם מותר לשלטון להשתמש בחוקי המדינה כדי לכופף את חוקי המוסר האנושי.

אנוי לא מביע עמדה נחרצת במחזה. למעשה, עם שחרור צרפת הוא צירף את חתימתו לעתירה של אנשי רוח צרפתים רבים שקראו לחנון את רובר ברזיאק שנידון למוות באשמת שיתוף פעולה עם הנאצים. הגנרל דה גול החליט להתעלם מעתירה זו וברזיאק הוצא להורג.

 

 

נ.ב.- הידעת? בהצגה המקורית, שעלתה ב-4 בפברואר 1944 בתיאטרון אטלייה בפריז, אשתו של אנוי, מונל ואלנטן, שיחקה את התפקיד הראשי!
anti.webp
אליס ולואיס

המחזה שכתב רועי חן ועלה לראשונה בשנת 2015 בתיאטרון גשר בבימוי יחזקאל לזרוב- נכתב בהשראת דמותו הסבוכה ונפשו המרתקת של הסופר והמתמטיקאי צ'ארלס לוטווידג' דודג'סון, שכתב בשם העט לואיס קרול, בהשראת מכתביו לילדה אליס לידל, שהיוותה השראה עבורו ואף כתב לה את הספר 'אליס בארץ הפלאות' (הוא כתב לה ולעוד כמאה ילדות אחרות), וכמו כן, בהשראת שאר כתביו של דודג'סון / קרול. כפי שחן המחזאי כתב, זהו סיפור אהבה-הדחקה פיוטי-סיוטי שיכול היה לקרום עור וגידים רק בארץ הפלאות ונידון להתנפץ על סלעי המציאות. רסיסים של תום הילדות ומות הילדות כפי שהם משתקפים מבעד למראה של אליס, ילדה-נערה-אישה.

 

ההצגה משלבת דמויות ומוטיבים רבים מתוך הרפתקאותיה השונות של 'אליס בארץ הפלאות' וספר ההמשך 'מבעד למראה', ומשלבת ביניהם גם את דמותו של לואיס קרול עצמו בתור ידידה המבוגר של אליס שהופך לפרש הלבן (אולי הדמות היחידה בספר שעוזרת באופן מוחלט וללא שיפוט לאליס הקטנה).

 

חלק ניכר מנמעניו של דודג'סון / קרול במכתביו היו ילדות, איתן שמר על יחסי התכתבות רציפים וליווה עד בגרות. את חלקן הוא פגש במקרה, את חלקן הכיר דרך הוריהן, וחלקן היו מעריצות של ספריו ששלחו לו תמונות שלהן. בהתכתבויות ביניהם הוא הביע עניין גדול בחייהן, פעמים רבות שלח ספרים, סיפר סיפורים, חד חידות, או הביע את רצונו לצלם אותן.

 

אליס לידל (4 במאי 1852 - 16 בנובמבר 1934) הייתה הילדה הרביעית במשפחה, היו לה ארבע אחיות וחמישה אחים, ושניים מהם מתו בילדותם המוקדמת. אביה, הנרי לידל, היה דיקן אוניברסיטת אוקספורד וחי בקמפוס עם אשתו ועשרת ילדיו. ביום בו הכיר את דודג'סון, שהיה מתמטיקאי באותה האוניברסיטה, לקח לידל איתו את שלוש בנותיו, אדית, לורינה ואליס, אותן שדודג'סון צילם. הצילום היה המצאה חדשה ומאוד נדירה באותה תקופה, אז המשפחה הייתה שמחה מאוד שדודג'סון צילם להם דיוקן משפחתי.

 

דודג'סון הסתדר היטב עם הילדות והתחיל לבדר אותן בסיפור על מקום קסום בשם ארץ הפלאות. הוא הוקסם מהילדה הקטנה אליס, והיא הפכה למוזה שלו. בסופו של דבר הוא הקליט את הסיפור, ופרסם את הרפתקאות אליס בארץ הפלאות תחת השם הבדוי לואיס קרול. דודג'סון עצמו אפילו לא יכול היה לדמיין שעם הזמן ספרו יהפוך לתופעה כלל עולמית.

 

לאחר שנים בהן ניתק הקשר ביניהם, כתב לאליס מכתב:

 

"גברת הרגריבס (שם משפחתה של לידל לאחר נישואיה) יקירתי,

 אני מניח שזה ישמע לך כמעט כמו קול מהמתים, אחרי שנים רבות כל כך של שתיקה - ובכל זאת הזמן הזה לא שינה דבר, ובקלות עולים בתודעתי זכרונות זכים אודות הימים שבהם כן תקשרנו. אני מתחיל להרגיש את משמעות הגיל ובוגדנותו של הזיכרון בנוגע למה שאירע לאחרונה ולחברים חדשים שאני רוכש (למשל, לפני כמה שבועות, הכרתי עלמה צעירה בת 12 וטיילנו יחד. כעת אני לא יכול לזכור אף לא אחד משמותיה!). אבל תמונה נפשית חיה מתמיד יש לי של מי שהייתה, למשך שנים כה רבות, הילדה-חברה האידיאלית שלי. היו לי המוני ילדים-חברים מאז הזמן איתך, אבל כולם תפסו מקום שונה.

 על כל פנים, לא התחלתי את המכתב הזה כדי להגיד את כל זה. מה שרציתי לשאול הוא - האם תהיה לך התנגדות כלשהי אם כתב היד המקורי של "הרפתקאותיה של אליס" (שאני מניח שאת עדיין מחזיקה) יועתק ויודפס? ...הדבר היחידי שאני חושב עליו, בהתחשב בפופולריות יוצאת הדופן שהספרים זכו לה (מכרנו יותר מ-120 אלף עותקים של השניים), הוא שחייבים להיות רבים שירצו לראות את הגרסה המקורית.

החבר שלך תמיד,

צ'. ל. דודג'סון"

 

קרול מעולם לא גילה איזה גורל ציפה לאליס, לאחר שגדלה ובגרה. במהלך מלחמת העולם הראשונה איבדה אליס שני ילדים, ולאחר מות בעלה היא נאלצה למכור את הדבר הכי יקר שהיה לה: כתב היד של 'אליס בארץ הפלאות'. עבור הגרסה המקורית, שנקראה 'הרפתקאותיה של אליס מתחת לאדמה' במכירה פומבית, היא קיבלה 15,400 פאונד, מה שאפשר לה לשלם את חובותיה.

 

אליס חיה 82 שנים ומתה 36 שנים לאחר מותו של דודג'סון.

בזקנתה, היא עדיין הייתה אליס מאליס בארץ הפלאות, אבל התהילה כזו הכבידה עליה. היא כתבה לבנה: "אוי יקירי! כמה נמאס לי להיות אליס בארץ הפלאות! זה נשמע כפוי טובה אבל אני כל כך עייפה!". אבל גם לאחר מותה, היא נשארה אליס מהאגדה, על מצבתה חקוקות המילים: "קברה של גברת רג'ינלד הרגריבס, 'אליס מאליס בארץ הפלאות' מאת לואיס קרול".

 

נ.ב.- קרול כתב במכתב אחר ללילי מקדולנד ב5 ביונאר 1867:

"The book has got a moral - so I need hardly say it is not by Lewis Carroll"

ובתרגום חופשי: "אם יש בספר מסר – זה לא של לואיס קרול!".

אליס ולואיס

אנני

אנני

לא רבים יודעים, אבל הדמות של אנני לקוחה מסדרת הקומיקס הנצחית על הרפתקאותיה, סדרת קומיקס פוליטית ומאוד שמרנית.

 

אנני נוצרה בידי הרולד גרי, יוצר קומיקס מוערך, שהחזיק בדעות ימניות מובהקות, ובאמצעות רצועת הקומיקס 'אנני' העביר ביקורת נגד מדיניות הרווחה.

 

 

 
מהר מאוד התברר לקוראים שאין זאת רק סדרת הרפתקאות על חיי יתומה ואביה התומך, זאת סדרה שביטאה את דעותיו הימניות של יוצרה. אנני ואביה נהגו לתקוף את ההגבלות על אספקת הדלק, את מדינת הרווחה ובעיקר את מס ההכנסה. גרי המשיך לכתוב ולצייר את הסיפורים במשך לא פחות מ-44 שנים. הסדרה המשיכה גם לאחר מותו ב-68', אם כי במשך תקופה מסוימת הפסיקו לפרסם בה סיפורים חדשים ורק הדפיסו מחדש סיפורים ישנים.
 

בקומיקס, אנני נלקחה מהמנהלת המרושעת של בית היתומים בו היא חיה על ידי האיש העשיר ביותר בעולם- דאדי וורברוק, הרפתקן ואיש עסקים בינלאומי, ובמקור יצרן נשק, שהפך אותה לבת מאומצת. וורברוק גילם את הקפיטליסט האולטימטיבי. אבל למרות הקשר ההדוק בין הצמד, הם נאלצו להיפרד בנסיבות שונות. וורברוק נאלץ לחפש אחרי אנני ולהצילה מפוליטיקאים מושחתים, עובדות סוציאליות נבזיות, קומוניסטים ושאר נוכלים. כל איחוד היווה בסיס לפרידה נוספת.

במקור אנני הייתה אמורה להיות "היתום הקטן אוטו", אך בדרישת העורך מין הגיבור שונה מזכר לנקבה. היתומה תוארה כ"קשוחה מהגיהינום, עם לב זהב ויכולת להרביץ במהירות".

 

רק ב-1977 עלה על במות ברודווי מחזמר מצליח ביותר על עלילותיהם של אנני ואביה. המחזמר המקורי רץ במשך למעלה מאלפיים הופעות עד 1982. הגרסה הבימתית שכתב תומאס מיהן, שינתה לחלוטין את המסרים של הרולד גרי. השיא בשינוי הקיצוני הזה הוא שאנני הקטנה עוזרת לנשיא פרנקלין רוזוולט (אותו גרי לא אהד, בלשון המעטה), להקים את ה'ניו דיל' – המדיניות הכלכלית והחברתית החדשה שננקטה בארצות הברית בשנות ה30 של המאה הקודמת בתגובה לשפל הגדול ונועדה לעזור לשכבות החלשות- מדיניות שבפועל גרי התנגד לה נחרצות.

 

הטיול למרכז כדור הארץ

הטיול למרכז כדור הארץ
כדו"א

את המחזה כתבה דייזי קמפבל, כשהייתה בת 9 בלבד.

איך זה קרה? אביה, קן קמפבל, שהיה שחקן, מחזאי ובמאי בריטי בעל תפיסה אלטרנטיבית לתיאטרון, היה צריך לכתוב מחזה לתיאטרון הלאומי, מחזה המתעסק בילדים. הוא הבין שבתו דייזי תוכל לעזור לו במלאכה זו.
דייזי שכבר מגיל 7 נהגה לכתוב סיפורים ומחזות ולהעלות אותם בפני הכיתה נענתה לאתגר, ומחזה זה הוא פרי פיתוח משותף של האב ובתו למחזה תחת אותו שם, שכתבה דייזי כשהייתה בת 9.
קן, האב והבמאי, העניק את רוב הקרדיט לבתו: "אני הייתי שם בשביל הפרטים הקטנים, הייתי יותר מלווה, העולם הוא עולמה של דייזי".

המחזה כולו מתרחש בזמן נסיעה באוטובוס של כיתת ילדים ללונה פארק. במהלך הנסיעה עם ההתרחקות מהבית וההורים, מנסים הילדים ליצור לעצמם תחושת בטחון, תוך מאבק כוחות מתמיד על תשומת לב ושליטה. במהלך הנסיעה מצהירה טרישה, אחת הבנות ,שלפי מידע שיש בידה, הם בכלל נוסעים למרכז כדור הארץ!
מכאן מתעצמים הפחדים והחששות, תוך טשטוש בין דמיון למציאות ועולים נושאים כמו: מוות, מין, טלוויזיה, אהבה, אלימות ושאלות הרות גורל כמו: "האם מורתם מיס שיין היא באמת מרגלת רוסיה, שלוקחת אותם לסדרת ניסויים במרכז כדור הארץ?!" או "האם רכבת השדים בלונה פארק היא בעצם מנהרה המובילה למרכז כדור הארץ?!"

כבר מרשימת הדמויות אפשר להבין כמה המחזה ייחודי, מצחיק וכמה דמיון יש בו:

סטייסי - בת 8 ו 3/4
ג'ורג'יה - בת 9 ביום ג' הבא
כריסי - כמו סטייסי
ריצ'רד - בן 9 בשבוע שעבר
ג'יימס – כמעט בן 9, נועל נעלי התעמלות עם שרוכים פרומים
בן – בן 8 וחצי. הוא כמו איש זקן, לובש מכנסי קורדורוי וקרדיגן אפור. יש לו אסתמה ולכן קצת מתנשף. הוא יונק מהעיפרון שלו כשהוא מדבר- כאילו הייתה זו מקטרת.
אמה- לא ידוע.
ועוד ועוד...

 

יהודית גרינשפן

גרינשפן
יהודית גרינשפן.jfif
אוסף המסכות הנפלאות של יהודית גרינשפן שרכשנו עבור קבוצת הנוער לתיאטרון רחוב 'במת חוצות'.

יהודית גרינשפן היא מעצבת במה ישראלית, אמנית ויוצרת של אביזרי במה, מסיכות ובובות.

לאורך שנות פעילותה עיצבה מסכות, בובות ואביזרים להפקות תיאטרון, מחול וטלוויזיה רבות בישראל והציגה בתערוכות רבות בארץ ובעולם.

גרינשפן נולדה בעיר לוניניץ שבבלארוס (שהייתה אז תחת שלטון פולני), ובגיל שנתיים עלו הוריה לארץ ישראל והשתקעו בשכונת מונטיפיורי בתל אביב. אמה עבדה כתופרת ואביה כחלבן.

את הקריירה כמעצבת החלה במקרה, כשנרתמה לעזור לחברה בהכנת אביזרים לתפאורה בקומדיה "רוזנים ואביונים" (1960) בתיאטרון הקאמרי, בהנחיית אריה נבון. עבודתה זכתה להצלחה והיא המשיכה לעבוד עבור התיאטרון. ב-1963 התבקשה להכין מסיכות עבור ההצגה "גיבור היום". הייתה זו הפעם הראשונה בה התנסתה ביצירת מסיכות, אותן יצרה תוך לימוד עצמי.

ב-1974 התבקשה על ידי הבמאי מייקל אלפרדס ליצור את המסיכות למחזה משרתם של שני אדונים שהועלה בתיאטרון החאן. המסיכות אותן יצרה הביאו להכרה נרחבת בה כיוצרת ייחודית בתחום התיאטרון.

מאז היא יצרה ועיצבה אביזרים, תלבושות ומסיכות עבור מיטב התיאטרונים ולהקות המחול בישראל, ביניהם התיאטרון הקאמרי, החאן, להקות בת שבע, להקת המחול הקיבוצית, בת דור, ענבל ועוד.

היא עיצבה אביזרים מיוחדים לחנוך לוין (כולל אבר מין ענק כפי שביקש) אביזרי לבוש למופעי מחול (רקדנים המשמשים כלי נגינה) ואת הבובות המיתולוגיות מסדרות הטלוויזיה 'פרפר נחמד' (שבי, אוזה ונולי) 'החתול שמיל' ו'הדרדסים'.

מסכותיה ואביזריה שימשו לא רק כעזרים, אלא היו לא פעם מקור השראה הן ליוצרים והן למבצעים. המסיכות שיצרה הפכו לחלק מגוף האומן המופיע איתן, ובכך הפכה שותפה ליצירות עצמן, כשעבודותיה משפיעות על הכוריאוגרפיה ועל הבימוי.

קישור לפרק מההסכת (פודקאסט) 'מאחורי הקלעים' - שיחה עם יהודית גרינשפן על קסמה וכוחה הנצחי של המסכה, משחר הקיום האנושי, ועד היום. גרינשפן מספרת על תהליך הכנת המסכה, ההתאמה לפניו של השחקן, והאופן בו המסכה הופכת לישות קיימת במשלב עם התנועה ומבע הגוף של השחקן.

קטע קצר מ'עדיין פה'.

 

גרינשפן.jpg
חנה מרון

חנה מרון

חנה מרון נולדה בברלין בשם חנה מאיירצ'יק, וכבר בילדותה הייתה ילדת פלא ששיחקה בהצגות, סרטים ותסכיתי רדיו רבים (כבר בגיל ארבע ממש!).
במלחמת העולם השנייה התגייסה לצבא הבריטי בו שירתה במשך שנתיים בו התנדבה ליחידת הנשים של הצבא הבריטיות ולאחר מכן הצטרפה ללהקת 'מעין זה'  הלהקה הצבאית של הבריגדה היהודית.
ב-1945 חברה למקימי התיאטרון הקאמרי. תחילה הופיעה בתפקידי משנה, והתפקיד הראשון שהקנה לה את מעמדה המיוחד בתיאטרון הישראלי היה זה של מיקה ב'הוא הלך בשדות' (מאת משה שמיר, 1948).
 
היא הפכה לאחת השחקניות המרכזיות בתיאטרון הישראלי (כלת פרס ישראל לתיאטרון). היא שיחקה בתפקידים רבים וחשובים, לימדה וגם ביימה. בין היתר, גילמה במגוון מחזותיו של שייקספיר את רוזלינד ב'כטוב בעיניכם' (1955), מריה ב'הלילה השנים-עשר' (1959), ביאטריס ב'מהומה רבה על לא דבר' (1963), וכמו כן את לייזה דוליטל ב'פיגמליון' מאת ג'ורג' ברנרד שו (1954), וליידי ברקנל ב'חשיבותה של רצינות' מאת אוסקר ויילד (1993). לא פחות חשוב היה תפקיד הדודה חנה בסדרת הטלוויזיה 'קרובים, קרובים' (1983), שהפכה אותה לדמות מוכרת ופופולרית גם אצל קהלים שאינם צופים בהצגות תיאטרון.

מתחילת הופעותיה על הבמה ניכרה אצל חנה מרון יכולת קומית נדירה. היא פנתה ישירות לקהל, הצליחה בכך ונהנתה מהצלחתה ומהדיאלוג שפיתחה עם הצופים. מרון העידה על עצמה: "ה'אנטומיה' של הצחוק מעניינת אותי מאוד. אני עושה הרבה ניסיונות לאורך ההצגות". גם לתפקידיה הרציניים היא הביאה לעתים איכות קומית, שעשויה לפרוק מתחים בזמן ההצגה.

כבר בתפקידיה הראשונים של מרון (חנה'לה כפי שכונתה) ניכרה היכולת המיוחדת שבאמצעותה הביאה רעננות, חיות וחידוש לבמה העברית, שסבלה לפני כן מעודף רצינות "מקודשת" ומיתר פאתוס. לכך הוסיף דימוי המיניות, שהיה מרכיב באישיותה הבימתית.
 
הסופר והמחזאי משה שמיר העיד בחיבה ובשעשוע על צפייתו הראשונה במרון בתפקיד מיקה ב'הוא הלך בשדות': "פתאום תפסתי עצמי כשאני בולם בקושי גיחוך מתפרץ. מבין הדמויות הבודדות שהיו פזורות באולם עלו קולות צחוק. האם כתבתי קומדיה? זהו מה שלימדה אותי חנה'לה, מה ששיקעה בדמות, או אולי מה שהוציאה ממנה: שמחת החיים הטבעית של מיקה, כוח החיים הבלתי נכנע שלה".
 
חנה'לה שיחקה בהצלחה גם בטרגדיות כמו במחזותיו של הנריק איבסן – נורה ב'בית הבובות' (1959), הדה ב'הדה גאבלר' (1966) וגברת אלוינג ב'רוחות' (1989).
עוד הצגה זכורה וחשובה בקריירה של מרון היא 'מדאה' (מאת סנקה, 1971), הצגה שעלתה אחרי פיגוע חבלני בנמל התעופה במינכן ב-1970, שבעקבותיו נקטעה רגלה של מרון.

 

 
בניגוד מסוים לרושם הקליל שעשוי להיווצר מהופעותיה הקומיות, מרון הייתה שחקנית למדנית, חרוצה וקפדנית. לעבודתה על הדמויות שגילמה הקדימה תהליך לימוד. כך תיארה את תהליך העבודה שהקדים את גילום דמותה של הדה גאבלר, המציבה חידה קשה בפני במאים ושחקנים:
"התחלתי לעבוד על הדה גאבלר זמן רב לפני שהתחילו החזרות... קראתי את המחזה וקראתי הרבה חומרי רקע... יותר מכל דמות אחרת לבשה הדה גאבלר פרצוף אחר אצל כל מפרש (נציגת האמנציפציה, לסבית וכל שאר הווריאציות). ברגע מסוים, ריבוי פירושים זה נראה לי אבסורדי. הנחתי אפוא לחומר... כשהתחלתי לקרוא את המחזה עצמו... גיליתי שהמפרשים צדקו... בכל משפט במחזה צצה הדה אחרת, ולמעשה יש בהדה משהו מכל מה שקראתי עליה."
 
חנה מרון הלכה לעולמה בביתה בגיל 90, ב30 במאי 2014.

 

היא השאירה מורשת מפוארת ומרשימה של עשרות תפקידים על במות התיאטרון ועל מסכי הטלוויזיה. המקצוענות ומוסר העבודה שלה אפיינו אותה יותר מכל, ולא פעם היא אמרה את המשפט "אין דבר כזה קשה מדי".
יהי זכרה ברוך.
 

 

 

מקורות:
  • תפקידה של שחקנית: חנה מרון מאת מרדכי עומר ואחרים (עורכים).
  • אתר התיאטרון הישראלי, החוג לאמנות התיאטרון, אונ ת"א.
  • ארכיון חנה מרון זמין דיגיטלית, באדיבות המשפחה ובמסגרת שיתוף הפעולה בין משרד ירושלים ומורשת, הספרייה הלאומית של ישראל ואוניברסיטת חיפה. The Hanna Maron Archive can now be accessed online, by courtesy of the family and as part of a collaborative initiative between The Ministry of Jerusalem and Heritage, The National Library of Israel and the University of Haifa.

חתונת דמים

חתונת דמים

"את סבורה, שהזמן מעלה מרפא לכל פצע, וכי הקירות מחפים על כל דבר, והרי זה לא נכון, לא נכון!

כשהדברים חודרים למעמקים, אין מי שיעקרם עוד."
(מתוך 'חתונת דמים' מאת פדריקו גרסיה לורקה, תרגם רפאל אליעז)

לקראת העלאת המחזה 'חתונת דמים' שיוצג בקרוב אצלנו בבמת עשרה - התיאטרון המרכזי לנוער - בבימויו של אמנון פלד, כתבנו קצת על סיפור ההשראה לכתיבת המחזה.

לורקה, או בשמו המלא: פדריקו דל סגרדו קוראזון דה חסוס גארסיה לורקה (!), קיבל את ההשראה לכתיבת המחזה מידיעה עיתונאית על כלה שברחה ביום נישואיה עם חברה לשעבר, על מרדף שרדפו אחריהם החתן ובני משפחתו ועל מותם של שני הגברים בדו-קרב הסופי.

הסתקרנת? הנה כל הפרטים-

אישה צעירה בשם פרנסיסקה קנדה מוראלס התגוררה בחווה עם אביה, וברחה עם בן דודה, פרנסיסקו מונטס קנדה שעות לפני שהייתה אמורה להינשא לקסמירו, פועל שאליו לא נמשכה.

 

הסיפור הטראגי התפתח במרחק של מטרים ספורים משם כאשר בן הדוד, בו הייתה מאוהבת פרנצ'סקה מילדות, נורה בראשו על ידי אחיו של החתן לעתיד, שחיכה להם בצומת דרכים סמוך.

פרנסיסקה הוכתה קשות ונשארה למוות, אך שרדה את המארב. היא חיה את שארית חייה כמתבודדת, מעולם לא נישאה, ומתה בשנת 1987.

קאסמירו פרז פינו,

החתן

פרנסיסקה קנאדה הכלה.jpg

פרנסיסקה קנאדה,

הכלה

לורקה עקב אחר הסיפור בעיתונים והתחיל לכתוב על הפרשה, תוך שימוש בפשע התשוקה כמקור השראה, עד שכתב את אחד ממחזותיו המפורסמים והמושמעים ביותר- חתונת דמים (או בספרדית Bodas de Sangre). את המחזה סיים לורקה לכתוב בשנת 1932 והוא הוצג שנה לאחר מכן בבכורה במדריד.


למרות שלורקה שאב השראה רבה מהאירועים האמיתיים, הוא עשה שינויים רבים במחזה. למשל, לפי דיווחים בעיתונים על הרצח, לפרנסיסקה הייתה פזילה, צליעה ושיניים בולטות, וקאסמירו היה אדם די משעמם. לורקה לעמות זאת כתב את הכלה כאישה מושכת ואת החתן כביישן, אך לא אדיש.

 

אלי רוזיק כתב במאמרו 'מותו של קנטאור' שלורקה חורג מהריאליזם בשתי נקודות עיקריות: קודם כל, הוא מעניק לדמויות לשון פיוטית, שלא מתיישבת עם האפיון הנמוך והכפרי שלהן. ובנוסף, הוא משתמש בלשון זה כקרש קפיצה ליצירת עולם בימתי מקביל הבא לפרש את העולם הריאליסטי פירוש נוסף, אלטרנטיבי לזה של הדמויות. כך מתפרשת העלילה העיקרית על ידי עלילה נוספת ללא צורך בפירוש האידאי- כלומר הדתי או הפילוסופי- שהיה נהוג המחזה המסורתי. הכל נסגר בתוך העולם הפיוטי של המחזה.

הצגת עולם מסורתי שמתנפץ לנגד ענינו באה להעלות מתוך החרבות את האידאה של עולם טוב יותר שבו כמיהתו הטבעית של האדם לאושר- יכולה להתממש. לורקה האמין, כך משתמע מיצירתו הדרמתית, שבאמצעות מחזותיו יוכל לחולל שינוי בגישותיו של הצופה.

 

מקורות:

'מותו של קנטאור' מאת אלי רוזיק

'חתונת דמים' מאת פרדריקו גרסיה לורקה בתרגומים של רפאל אליעז ורנה ליטוין.

העיירה שלנו

"זה רץ כל כך מהר. אין לנו זמן להסתכל אחד על השני. אני לא הבנתי. הכל קרה ואנחנו בכלל לא שמנו לב."

לקראת העלאת המחזה 'העיירה שלנו' שיוצג בקרוב אצלנו בבמת עשרה - התיאטרון המרכזי לנוער - בבימויו של שיר שנער, כתבנו קצת על המחזה (זהירות- ספויילרים!) ושאלנו את הבמאי למה בעצם הוא בחר דווקא את המחזה הזה?

העיירה שלנו הוא מחזה שכתב המחזאי תורנטון ניבן ויילדר. העיירה שלנו היא עיר קטנה באמריקה שבה התושבים חיים, נולדים, גדלים, מרגישים, אוהבים, שונאים, מתים וקוברים את מתיהם.

הדמויות השונות עוברות את כל תחנות החיים הטיפוסיות לחיי האדם וזיכרונות חייהם מרחפים על פני העיירה. כל אלפיים שש מאות ארבעים ושניים התושבים כבר אכלו צהריים; כל הכלים כבר שטופים ורחוצים. הילדים חזרו לבית הספר, הד קולותיהם מגיע מרחוק. רק עגלות אחדות עומדות ברחוב הראשי, והסוסים מנמנמים ליד טבעות הברזל שבין חנות לחנות. שלווה של צהריים פרושה על פני העיר.

גם המתים מרחפים על פני העיירה, כל עוד זוכרים אותם, הם קיימים. גם הם, כמו החיים, מספרים את סיפורם וחווים את חוויות העבר.

במערכה הראשונה אנו מתוודעים אל חיי העיירה, אל הדמויות החיות בה והנושאים המעסיקים אותם, במערכה השנייה, שלוש שנים מאוחר יותר, אנו צופים בסיפור התבגרותם והתאהבותם של אמילי וג'ורג', שתיים מהדמויות, עד ליום חתונתם. המערכה השלישית, תשע שנים מאוחר יותר, נפתחת בהלוויתה של אמילי עקב סיבוך בלידה, ומבחינים בה, במתים מוכרים נוספים בבית הקברות של העיירה, אשר למעשה ליוו את האנשים החיים לאורך כל ההצגה. כאשר עוברת אמילי מעולם החיים אל עולם המוות, היא מבקשת לחזור אל עולם החיים, וחוזרת ליום הולדתה השניים-עשר. כאשר היא עושה זאת, היא מבינה את האמת המרה על חייה.

המחזה נכתב בשנת 1938  וזכה בפרס פוליצר, עבר מספר עיבודים לסרט טלוויזיה, לבלט ולאופרה. ויילדר השתתף גם בכתיבת התסריט לסרט שיצא בשנת1940  והסכים לדרישת המפיק לשנות את הסוף (ספויילר!!!) ליותר אופטימי בכך שהגיבורה לא מתה אלא נשארת בחיים.

שיר שנער, הבמאי, כתב על בחירת המחזה:

''העיירה שלנו'', מאת תורנטון ויילדר, המחזה שבחרתי למסע המשותף שלי ושל תלמידי במת עשרה, הוא עבורי תזכורת והזמנה לזמן אחר, תמים יותר, לעולם פשוט ועל כן גם חשוף ורגיש, שבו לאנשים, אפילו שהם עסוקים מאוד בעבודתם, יש את הפנאי לעצור ולהקשיב אל רחשי הלילה, להקסם מאור הלבנה, להריח את ניחוח הפרחים... אפשרות לטעום את טעמם של חיי היום יום של אנשי העיירה הקטנה, את טעם הנעורים, האהבה ראשונה, הנישואים וכן, גם את טעם המוות, שגם לו יש מקום פיוטי ומרגש במחזה המקסים הזה.

ארכיון המרכז הישראלי לתיעוד אומנויות הבמה (מילאה).jpg
העיירה שלנו
הלויה חורפית

הלוויה חורפית

לקראת העלאת המחזה 'הלוויה חורפית' שיוצג בקרוב אצלנו בבמת עשרה - התיאטרון המרכזי לנוער - בבימויו של ינון שאזו, כתבנו קצת על המחזה ושאלנו את הבמאי כמה שאלות חשובות...

"חתן את בתך וקבור את דודתך, הלוויה חורפית לכל המשפחה!"

זהו הסלוגן הפרובוקטיבי שנכלל בתכנייה המקורית של ההצגה, שכתב וביים חנוך לוין ועלתה בתשעה באוקטובר 1978.

עלילת המחזה עוקבת אחרי לצ`ק, שיוצא להודיע למשפחתו על מועד ההלוויה של אלטה בוביצ`ק, אימו. אך המשפחה עסוקה בהכנות לחתונת בתם ולווציה. הם אינם מוכנים לקבל את הבשורה המרה, שעלולה לשבש את החגיגה. או כמו שאומרת הדודה שְׁרַצְיָה:

"ארבע מאות אורחים ושמונה מאות עופות כבר מחכים למחר, אני לא הולכת לסכן לי את החופה שעלתה לי בחיים שלמים ובכל החסכונות עם מי יודע מה שעלול לארוב לי שם מעבר לדלת! לא רוצה לראות אף אדם ולא רוצה לשמוע על שום דבר שלא נוגע לחתונה! מעכשיו ועד לגמר החתונה, שייהרס מצידי כדור-הארץ - אני את החופה הזאת מחר מעמידה! לישון!"

האם יעדיפו בני משפחתו של לצ'ק הלוויית זקנה בגשם על פני חתונת בתם הצעירה באולם מפואר? האם יצטרף לצ`ק לחוגגים או שמא יצעד בודד אחר ארון אמו? שמחה מול אבל. מי מבין הכוחות יגבר על השני במאבק על חשיבותו? האם בנסיבות מסוימות יצליחו השניים להתקיים במקביל? חרדה קיומית המובילה להזיה שבסופה צריך להחליט - לצחוק או לבכות...?

תשובות על כל השאלות האלה ונוספות תוכלו לראות בהצגה בקרוב...

אך בינתיים- עוד קצת שאלות. שאלנו את הבמאי, ינון שאזו- למה בחרת במחזה הזה דווקא?

ינון: "אחרי שהגשמתי חלום בשנה שעברה וביימתי קומדיה שייקספירית, עברתי השנה לשייקספיר המקומי שלנו.

כמו כל ישראלי חובב תיאטרון, לחנוך לוין יש לכולנו פינה חמה ב...(חנוך היה בטח משלים ואומר 'תחת') לב!

שיחקתי כסטודנט במחזה שלו, עשיתי כמה וכמה מונולוגים שלו, אבל אף פעם לא ביימתי מחזה שלם שלו, עבורי  זהו צעד חשוב כיוצר, כמורה וכבמאי... אני כבר מתרגש!"

 

על מה המחזה מבחינתך?

"דבר ראשון יש כאן שאלה קשה - מה היה קורה אם חתונה והלוויה, שחשובות לכל הצדדים, היו מתנגשות לאותו יום?

כל בת ובן אדם יכול/ה להתחבר לדילמה הזאת ולהישאר ללא תשובה, או עם תשובה אכזרית. וזה מנוע מושלם למחזה...

בשונה ממחזות אחרים של חנוך, כאן  יש סיפור אחד מובהק, כמעט ללא עלילות משנה, השאלה הקשה פותחת את המחזה ורק הולכת ומתגברת עד לשיא.

מעבר לכך כמובן ששאלות לוויניות כמו: למה אנחנו חיים? בשביל מה להתחתן? איך נראה ומריח המוות? עולות דרך דמויות ססגוניות מרירות ומתוקות במחזה."

כרזה מתוך ארכיון המרכז הישראלי לתיעוד אומנויות הבמה (מילאה).jpg
bottom of page